„FEATURE: Die Seele von One Piece – Megumi Ishitanis Wano-Episoden
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Hallo zusammen und willkommen zurück bei Why It Works. Habt ihr alle schon Megumi Ishitanis neuesten Film gesehen? Ein Stück Folge? Nachdem sie bereits zwei Wano-Episoden in die Stratosphäre befördert hatte, waren die Erwartungen an Episode 1015 hoch und sie schaffte es dennoch, sie alle umzuhauen. Ishitanis Fähigkeit, Manga-Panels in herzzerreißendes Kino zu verwandeln, ist unübertroffen, und darüber hinaus zeichnet sie ihr Verständnis dafür, wann man über die Original-Panels hinausgehen sollte, als einzigartiges Regietalent aus, als jemand, der den Geist eines Werks durch sich selbst hervorrufen kann auf dem Material drehen.

Es gibt einen Grund, warum Ishitani im Allgemeinen aufgefordert wird, „Übergangsmomente“ zu bewältigen, anstatt große Action-Auszahlungen zu leisten. In diesen Momenten ist die größte Flexibilität bei der Interpretation zu finden – wenn aus einer riesigen Menge an Material Stränge verwandter Darstellungen gezogen und zu einem quasi originalen Kurzfilm rekonstruiert werden können. Ein zutiefst unfreundlicher Betrachter könnte dieses Material sogar als „Füllstoff“ bezeichnen, aber meiner Meinung nach ist es dem Gegenteil sehr nahe. Ishitanis Arbeit repräsentiert kurze Momente der Ein Stück nicht als Adaption, sondern als Originalfilm bebildert und entlehnt zahlreiche Techniken des Live-Action-Kinos. Heute möchte ich in „Why It Works“ nur ein paar von Ishitanis geborgten Techniken aufschlüsseln und den tiefgreifenden „Wow-Faktor“ ihrer Arbeit etwas entmystifizieren.

Das Auge einer Kamera

Eine der markantesten zugrunde liegenden Eigenschaften von Ishitani-Episoden ist die Art und Weise, wie alles von einem Moment zum nächsten fließt. In ihren Episoden gibt es ein kontinuierliches Gefühl von Dynamik, ein Gefühl von Energie, das durchweg erhalten bleibt – und ein großer Teil dieser Wirkung beruht auf ihrer Nutzung der Fokuskontrolle. Ishitanis Episoden ahmen den begrenzten Fokusbereich einer traditionellen Kamera nach und beginnen häufig mit nur dem Vorder- oder Hintergrund im Fokus und kehren diesen Effekt dann um – eine Technik, die als „Racking Focus“ bekannt ist und den Blick des Publikums auf natürliche Weise auf Ishitanis Ziel lenkt. Selbst bei Aufnahmen, bei denen sich der Fokus nicht wirklich verschiebt, verwendet Ishitani häufig eine ungewöhnlich enge Schärfentiefe, wodurch der Blick auf bestimmte Elemente der Komposition gelenkt wird und gleichzeitig ein Gefühl der Distanz zwischen Vorder- und Hintergrund betont wird. Durch die Nutzung sowohl der Kamerabewegung als auch der Fokussteuerung ist Ishitani in der Lage, selbst in einer weitgehend unbewegten Komposition ein Gefühl von Dynamik zu erzeugen und gleichzeitig ein Gefühl echter Tiefe in der Komposition zu erzeugen.

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Bühnenbeleuchtung

Zusammen mit dieser vom Kino abgeleiteten Kameramanipulation sind Ishitanis Episoden wie nichts anderes beleuchtet Ein Stück. Einige ihrer Beleuchtungstricks passen zu ihrer Fokusmanipulation, die die einzigartigen Macken von Live-Action-Aufnahmen hervorrufen soll. Wenn Sie in einen herrlichen Sonnenaufgang schwenken, wird die „Kamera“ möglicherweise von der Blendung überwältigt oder sogar mit einem Linseneffekt, Lichtbändern oder den als „Bokeh“ bekannten unscharfen Lichtflecken verstärkt. Zu anderen Zeiten wird die Beleuchtung verwendet, um das Drama bewusster theatralisch zu verstärken, wobei Bühnenlichter oder dramatische Schatten das Auge ebenso effektiv anziehen wie ihre fokalen Tricks. Indem er sowohl die Macken der traditionellen Kamerabeleuchtung als auch das befreiende Potenzial der Anime-Präsentation nutzt, ist Ishitani in der Lage, die Beleuchtung zu einer treibenden Kraft des Dramas zu machen, unsere Emotionen steigen und fallen mit den Schatten auf der Bühne.

Eine Welt voller Farben

Wano im Allgemeinen gesehen hat Ein Stück Umfassen Sie ein weitaus reicheres Farbspektrum und verzichten Sie auf die vollen Farbfüllungen früher Bögen anstelle von satten, abwechslungsreichen Violett- und Rottönen. Aber wie bei Wanos anderen Innovationen bringen Ishitanis Episoden diese Tendenz auf eine ganz andere Ebene und jubeln in reichen Farbabstufungen, die ihre ebenso erhöhte Beleuchtung optimal nutzen. Mit so satten Farben, die direkt nebeneinander platziert sind, unternimmt Ishitani den weiteren Schritt, die chromatische Aberration anzunehmen, diesen „Farbsaum“- oder Halo-Effekt, der von einer Kamera ausgelöst wird, die die Trennlinie zweier Farben nicht ganz erfasst. Und so wie ihre Beleuchtung sowohl die Macken traditioneller Kameras als auch das unendliche Potenzial der Animation umfasst, so auch ihr Farbdesign – sie ist durchaus bereit, sogar einfarbige Kompositionen zu übernehmen, wenn sie ihren Zwecken dienen, wie in der purpurroten Einführung des Tobi Roppo oder Yamatos idyllische Visionen. So sehen wir erneut, dass Ishitanis Umarmung der Filmtechnik keine Philosophie an sich ist, sondern einfach eine Bereitschaft, alle Werkzeuge zu verwenden, die ihren Zwecken dienen, seien sie aus dem traditionellen Kino gerissen oder aus der Animation stammend.

Aktion im Wandel

Eine Eigenschaft, die von Ishitani geteilt wird Ein Stück Episoden ist, dass sie nie ein einzelnes, kontinuierliches Ereignis abdecken. Ihre Episoden, die im Allgemeinen an den Grenzlinien zwischen verschiedenen Stadien der Erzählung angesiedelt sind, sehen, wie das Drama durch ein Dutzend schneller Perspektiven stürzt und versucht, die unterschiedlichen Fäden zu ziehen Ein Stück’s komplexe Erzählung zu einem kohärenten, eindrucksvollen emotionalen Schub. Daher ist ihre Beherrschung aktiver Übergänge für die Wirkung ihrer Episoden absolut unerlässlich. So wie die Kamera innerhalb einzelner Szenen aktiv ist, trägt sie auch zwischen ihnen Schwung, wobei Wischschnitte ihren Dia oft an die Bewegung der Charaktere anpassen. Ishitanis Vorliebe für symmetrische Kompositionen erleichtert auch eine Vielzahl von sauberen Übergängen und ermöglicht Fade-Schnitte, die wortlos Parallelen zwischen verbundenen Charakteren oder Konzepten ziehen. Diese Liebe zu gesteigertem, fröhlich inszeniertem Drama wird durch ihre Hinwendung zu Verzierungen wie Titelkarten und Wechseln des Seitenverhältnisses deutlich, wie während der Onigashima-Performance von Queen.

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Filmische Komposition

Natürlich sind Manga-Panels nicht von Natur aus für diese Beleuchtungs- und Fokustricks ausgelegt. Es ist daher nicht sonderlich überraschend, dass Ishitanis Episoden weitgehend auf die adaptive Loyalität Panel für Panel verzichten und stattdessen von Grund auf kamerafertige Kompositionen konstruieren. Anstelle des oft flachen Aussehens treuer Manga-Panels in Bewegung sind Ishitanis Kompositionen von Grund auf neu aufgebaut, um Zooms, Schwenks und Fokusverschiebungen zu erleichtern. Ihr vielleicht ikonischster Aufnahmestil stammt vollständig aus dem Kino, in dem sie den Parallaxeneffekt von Vorder- und Hintergrundobjekten aufgreift, die sich mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten an einer Schwenkkamera vorbeibewegen, eine visuelle Verkörperung dessen, wie sie Präsentationen in Aktion umwandelt und wie sie anders zeichnet Erzählstränge zu einem ästhetisch einheitlichen Ganzen. Dies ist nicht nur Odas Manga in Bewegung, das ist IshitanisVersion von Ein Stückein Drama, das auf einem so genauen Verständnis des Ausgangsmaterials aufgebaut ist, dass zwar einzelne Tafeln verloren gehen können, die Seele des Materials jedoch umso heller durchscheint.

Ich nehme an, Sie sehen ein Thema in diesen verschiedenen Aspekten von Ishitanis Arbeit. Die entscheidende Qualität ihrer Episoden, das Ethos, das ihre Arbeit so großartig macht, ist, dass die Loyalität gegenüber Panels weit weniger entscheidend ist als das Einfangen der Geist der Arbeit und die bestmögliche Nutzung der Werkzeuge des eigenen Mediums. Indem er das Rohmaterial dieser Momente neu mischt und verschönert, verwandelt Ishitani Übergangssequenzen in jubelnde Feiern der Ein Stück Welt und vereint dabei die entscheidenden Stärken von Animation und Kino. Darüber hinaus ermöglicht Ishitanis Ansatz eine größere Freiheit und ein Gefühl der Zusammenarbeit von einzelnen Animatoren, die frei sind, die Körpersprache der Charaktere umzusetzen oder die Perspektive in Szenen zu ändern, die für genau solche Zwecke entworfen wurden, anstatt sie aus unbewegten Posen anzupassen.

Wir sind daran gewöhnt, dass die Action-Highlights einer Show sich von der Manga-Loyalität lösen und die eigenwilligen, animierten Stärken eines bestimmten Ass-Animators annehmen (siehe im Grunde alle von Yutapon Meine Hero Academia schneidet). Aber bei Ishitani Ein Stück Episoden sehen wir eine unverwechselbare Regievision, die auf eine gleichmäßige Erhöhung angewendet wird alles des Dramas der Geschichte, sei es kampfbetont, feierlich und intim, darstellend oder auf andere Weise. Die Ergebnisse sind verblüffend und liefern ein überzeugendes Argument für die Bedeutung ganzheitlicher Eleganz in jedem Aspekt der Gestaltung einer Geschichte. Sie sind ein Wunderwerk und ein Leitbild in einem, und ich kann nur davon träumen, was die Zukunft dieses Regisseurs bereithält.

Nick Creamer schreibt seit zu vielen Jahren über Cartoons und ist immer bereit, über Madoka zu weinen. Weitere Arbeiten von ihm finden Sie in seinem BlogJedes Mal falschoder folge ihmÖnTTwitter.

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